TÍTULO ORIGINAL: En kongelif
affaere DIRECCIÓN: Nikolaj Arcel GUIÓN: Rasmus Heisterberg, Nikolaj Arcel
(basado en la novela Prinsesse af blodet de
Bodil Steensen-Leth) MÚSICA: Cyrille Aufort, Gabriel Yared FOTOGRAFÍA: Rasmus
Videbaek MONTAJE: Kasper Leick, Mikkel E. G. Nielsen REPARTO: Alicia Vikander,
Mads Mikkelsen, Mikkel Boe Folsgaard, Trine Dyrholm, David Dencik
Cuando se anuncia una nueva película de época (esa extraña etiqueta que
aglutina títulos muy dispares y que hablan de diferentes periodos históricos)
hay una parte del público que arruga instintivamente la nariz, ya que asocia
ese podríamos decir subgénero con el aburrimiento, el estatismo, obras sólo
preocupadas del envoltorio, de la dirección artística, de la apariencia; como
en tantas ocasiones, generalizar oculta la variedad de tonos que cada cineasta
imprime a un filme de este tipo, ya que resulta obvio que muy poco tienen que
ver entre sí (más allá del marco que les cobija) La inglesa y el duque (2001) de Eric Rohmer, Un hombre para la eternidad (1966) de Fred Zinnemann, Las amistades peligrosas (1988) de
Stephen Frears e incluso Locura de amor (1948)
de Juan de Orduña (que, por cierto, sigue dando baños a la hora de planificar y
rodar a mucho que se jacta de no hacer “cine de cartón piedra” –y no va por
Vicente Aranda, aunque su Juana la Loca (2011)
no se desprenda en ningún momento de un anquilosamiento que la convierte en un
producto intragable-. Precisamente pensando en esta reacción, son muchos los
cineastas que cuando se acercan al cine histórico, incluso recreando una época
reciente, intentan huir de todas las rémoras asociadas al mismo (en ocasiones
injustamente o transformando en negativo lo que es seña de identidad) y para no
ser menospreciados se empeñan a toda costa en pervertir el género, en evitar el
preciosismo (y hacen bien porque es muy difícil ser Luchino Visconti –pero ya
llegaremos en su momento a Anna Karenina (2012)
para encontrarle heredero-), incluso en buscar ex profeso lo feo, lo
antiestético, todo lo que no parezca un remedo de lo ya rodado antes, cualquier
elemento susceptible de ser menospreciado como “antiguo”, “de otra época”, y,
de este modo, tropezamos con Tom Hooper afeando El discurso del rey (2010) –y obteniendo por ello un Oscar-, como
ya hiciese con algunas partes de la miniserie Elizabeth I (2005) –olvidando el ejemplo de su compatriota Stephen
Frears- o con la muy aplaudida, reflejo de la grandeur francesa (dejemos la palabra original y pronunciémosla con
gesto altivo y levantando el mentón –como la diría la siempre altiva Valerie
Tasso, no en vano procede de aquel país- para comprender mejor lo que se
intenta explicar), Adiós a la reina (2012),
mareante y confusa narración que busca a toda costa un valor artístico e
intelectual, diferenciarse de cintas anteriores y contemporáneas, sin darse
cuenta (como admirablemente consiguió Sofia Coppola en su María Antonieta (2006)) de que el escenario es importante para
definir a determinados personajes nacidos entre almohadones y que se pueden aportar
nuevos bríos (e incluso música del siglo XXI) armonizando elementos dispares y a
priori antitéticos –y ahí es donde se demuestra la personalidad y el talento
artísticos-.
Sin miedo a que la película pueda ser catalogada como lo que en realidad
es, sin temblarle el pulso por recoger el aliento y la manera de hacer de
precursores en la materia, Nikolaj Arcel (a quien, según parece, han ofrecido
dirigir la nueva versión de Rebeca (1940)
–y uno se pregunta por qué, a pesar de los méritos demostrados-) nos ofrece en Un asunto real un catálogo de cómo
dirigir cine histórico con elegancia y buen gusto, primando el dibujo de
personajes, sin cargar las tintas, mimando el ritmo de la historia, midiendo
los tintes melodramáticos para que aporten la tensión y emociones debidas. Ya sabemos
que el cine siempre ha reinventado la Historia a su conveniencia, pero dejando
fuera mentiras clamorosas, adjudicaciones de victorias, guiones claramente
propagandísticos, uno se interesa por determinados personajes cuando los ve
actuar en, por ejemplo, El león en
invierno (1968) o Ana de los mil días
(1969), es decir, cuando se sabe contar, dar entidad a los seres reales que
fueron, insuflar verdad a los meros datos de un libro; eso sucede en este caso,
puesto que, al menos en España (y a buen seguro en gran parte de los países a
los que el filme ha llegado), el nombre de Christian VII de Dinamarca sólo
suena a eso, a monarca de aquel país, y después del visionado de esta cinta,
tenemos conocimiento de un suceso terrible que, por desgracia, era de lo más
natural y cotidiano en el siglo XVIII (y antes y después), cuando las mujeres
eran la moneda de cambio para mantener o conseguir tronos y que, sin tener que
recurrir a cunas tan altas, tiene su correlación y continuidad en el mundo pretendidamente
civilizado que habitamos.
Y si el Festival de Berlín de 2012 (en el que, por cierto, también
competía Adiós a la reina -¡Qué
caprichoso es el destino!-) acertó al distinguir el guión escrito por el
director y Rasmus Heisterberg y la estupenda interpretación de Mikkel Boe
Folsgaard en uno de esos roles muy peligrosos porque, de no actuar con mesura,
el actor puede quedarse en la caricatura, en el histrionismo, en la exhibición
exagerada de supuestas facultades (y él hace lo contrario, llegando a dar
pánico en determinados momentos ante lo imprevisible de sus reacciones y lo patente
de su locura), aun sabiendo que los grandes festivales no quieren entregar más
de dos galardones a un mismo filme, resulta un poco desalentador que no se
reconociese la labor de los otros dos protagonistas. Alicia Vikander se
mantiene en un difícil y muy plausible equilibrio para no caer en el
victimismo, para convencer al espectador con su mirada, con su contención, con
un dolor que poco a poco va impregnando el gesto más mínimo, sin dejarse arrastrar
por lo fácil, buscando la comprensión y complicidad del que mira, lo que no es
óbice para mostrar algunas de las aristas de su carácter (y, de nuevo
enfrentados a esas bromas de quien sea, el premio a la mejor actriz se lo
arrebató Rachel Mwanza, protagonista de una de las películas con las que Un asunto real compitió por el Oscar
que, desde hacía ya mucho tiempo, llevaba el nombre de Amor (2012) grabado en su peana: Rebelle (2012), conocida como War
Witch –ya veremos con qué título es estrenada en España el próximo mes de
mayo-). Mads Mikkelsen, muy conocido gracias a sus intervenciones en El rey Arturo (2004), Casino Royale (2006) o Furia de titanes (2010) en las que
asumió personajes muy planos sin recorrido dramático, deja muy clara su
categoría actoral al interpretar desde el minimalismo, otorgando contenido e
intención a un leve movimiento de la comisura de sus labios, manteniéndose en
un segundo plano pero siendo el soporte de la historia y de su compañera de
reparto; de nuevo por esas carambolas del destino, Mikkelsen obtuvo unos meses
después del paso de Un asunto real por
Berlín el premio al mejor actor en Cannes –precisamente en el mismo certamen en
que Amor de Michael Haneke obtenía la
Palma de Oro y empezaba a forjar su leyenda- por The Hunt (2012), tal vez el título que, junto a éste, le ayude a
quitarse el sambenito de actor europeo que hace de malo en películas de acción
hollywoodienses o, al mismo tiempo, consiga que la meca del cine le mire con
otros ojos cuando, dentro de unos días, se estrene en televisión Hannibal, la serie en la que hereda el
rol de doctor Lecter que el inmenso Anthony Hopkins convirtiese en legendario
gracias a esa obra maestra titulada El
silencio de los corderos (1991).
Se mire por donde se mire, no le faltan a Un asunto real razones y condiciones para convencer y cautivar a un
amplio público, bien sea por su carácter de denuncia, por su historia de amor –trágica,
intensa y honesta como las de las novelas que aún siguen gustando, como la de
la inolvidable Elvira Madigan (1967)-,
por sus espléndidas interpretaciones, por la fotografía plena de matices y
creadora de atmósfera, por la sabiduría del uso de decorados y vestuario, por
una dirección sobria y sin complejos, por no empeñarse en trazar paralelismos con la actualidad, por no remarcar lo obvio, por considerar al público con la suficiente inteligencia para extraer la conclusión que le parezca más oportuna, en definitiva, por una película a la
vieja usanza que deja claro qué puede y debe seguir vigente a la hora de filmar
y contar una historia, sobre todo si pertenece a la Historia.
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